Un documental que remece la historia reciente de nuestro país en un ejercicio de memoria fundamental en la reconstrucción de la identidad de una sociedad y un país fracturado. En este caso es la mirada subjetiva de Carmen Castillo la que nos relata su historia como la compañera en armas y en la vida de Miguel Enriquez hasta el día de su asesinato un cinco de octubre de 1974 bajo fuerzas de la DINA en su casa ubicada en Calle Santa Fe y después en los años de la resistencia, la clandestinidad y el exilio en Francia.
Este fatídico hecho para el MIR y por lo tanto para toda la resistencia a la dictadura es el punto de partida desde donde se reconstruye la historia de los que decidieron luchar desde la clandestinidad y con las armas por la libertad de su pueblo diezmado. Siendo la organización más atacada por el régimen militar, el MIR que se había creado solo ocho años atrás el año 1965 en Concepción, fueron quienes asumieron un compromiso a fondo en esta lucha que duró diecisiete años.
En el documental se profundiza en el lado humano de esas vidas clandestinas que dejaron todo por su patria en aras de un proyecto social que no llegó con la democracia como se esperaba y que los dejó a la deriva con un MIR disuelto. Pero la ideología que los hizo resistir a pesar de ver a los compañeros morir, de haber tenido que vivir en el exilio y alejarse de los hijos en la llamada Operación Retorno, de la soledad de la clandestinidad, de las torturas que sufrieron en las frías manos de los agentes de Dina, sigue viva en los miristas que reconstruyen la historia junto a Carmen Castillo. De cierta forma uno nota en el documental un afán de parte de la directora de reconciliarse con su relación con Chile y su historia que los dejo como una suerte de vencedores vencidos que no vieron ningún beneficio cuando llegó la "alegría" con la Concertación.
En términos de contenidos el aporte que hace la directora al volver a conectarnos con nuestra historia es incalculable, pero además de esto se suma una buena factura en las dos horas y cuarenta minutos que dura el documental. La música juega un rol clave en presentar las atmósferas donde se manejan los testimonios, y donde el hilo argumental siempre vuelve a la calle Santa Fe.
Es ahí donde se revela la clave en esta historia, en esa calle del fatídico 5 de octubre es donde Manuel, un vecino del sector salvó la vida de Carmen que se desangraba en la acera producto de las heridas de las granadas, él la subió a la ambulancia a pesar de las fuerzas militares y la acompaño hasta el hospital Sótero del Río. La humanidad que encontró Carmen Castillo en Manuel así como en tantos otros que dieron una pequeña parte por dar la pelea en contra del régimen son los detalles que había nublado y que la impedían reconciliarse. Y Manuel también le cuenta que Miguel tuvo la oportunidad de escapar, que había salido de la casa en calle Santa Fe, pero volvió a entrar, volvió por ella, porque no la abandonó.
Aprovechando la Fiesta del Cine que vive por estos días nuestro país y que tenía a solo luca el cine nacional hoy y mañana el internacional es que aproveche para ver "La Vida me Mata", el primer largometraje del multifacético Sebastián Silva ya que antes de transformarse en cineasta era conocido por sus dibujos y su participación en el grupo musical CHC. En clave de blanco y negro se nos cuenta una historia que gira en torno a la muerte y lo que la rodea. En las palabras de su director, “la película vagabundea entre la emoción y la comedia, sin quedarse quieta jamás. En 90 minutos quisimos agotar el tema de la mortalidad y todas sus ramificaciones, desde el acto de matar hasta la vergüenza ajena que dan los funerales”.
Gaspar (Gabriel Díaz), el personaje principal, está sumido en una depresión desde la muerte de su hermano mayor y para enfrentar su duelo imagina que su hermano Alfredo se reencarno en Álvaro (Diego Muñoz), quien tiene una extraña fascinación con el tema de la muerte y arrastra en este vicio a Gaspar. Así comienzan una peligrosa amistad que pretende descubrir los misterios del término de la vida centrándose en el último suspiro.
Sobre las actuaciones es necesario aplaudir a Amparo Noguera que interpreta a Margarita la hermana de Gaspar, de forma magistral. El resto del elenco aportan también buenas actuaciones, especialmente Alejandro Sieveking el abuelo de Gaspar y Bélgica Castro, dos grandes actores chilenos que han visto en el último tiempo un renacer en la pantalla chica y en la pantalla grande. Por otra parte las situaciones más cargadas al humor se dan en la grabación del cortometraje del personaje de Claudia Celedón con Ramón Llao y Catalina Saavedrale añaden un ingrediente que se hace indispensable para tragarse el tema de la muerte sin inyección.
El tema de la muerte siempre ha rondado a las producciones cinematográficas y aquí el parecido al gran filme de Ingmar Bergman, "El Séptimo Sello", es innegable. Primero por el tema, segundo por la opción de usar blanco y negro (claro que Bergman no tenía alternativa); tercero por la calidad en la composición de las tomas y finalmente al incluir a un personaje que representa a la muerte y que interactúa de manera similar a como lo hacía la muerte al jugar ajedrez con Antonious Block quien no quería dejarse llevar antes de tener pruebas fehacientes sobre lo que hay más allá de la vida. Sin embargo, Silva realiza en torno al mismo tema una aproximación más cercana al humor negro sin dejar de abordar de fondo un asunto que en la mayoría de las personas provoca miedo o temor.
Estéticamente el blanco y negro, al carecer de color, necesita de una composición más elaborada y esto resalta más, en ese sentido La Vida me Mata es una propuesta que destaca por sobre muchas películas chilenas que dejan un tanto de lado la composición de las tomas y optan por encuadres clásicos en vez de experimentar. Los efectos visuales están integrados de forma armónica con la filmación y además se utilizan recursos que se ven más en videos musicales, como la escena donde se hunde en la cama y llega por arriba.
Bueno, no me queda más que aplaudir la obra prima de Sebastián Silva y esperar que se sigan haciendo películas así en nuestro país, totalmente recomendada y hay que aprovechar la Fiesta del Cine que por estos días nos permiten disfrutar el cine a luca! ahora mismo salgo a ver otra antes que me peguen con un palo en la cabeza el resto del año.
Partiendo vamos a tirar la propaganda altiro, hoy y mañana queda tiempo para ir al primero FEstival de Cine Psicoactivo en el Cine Arte Alameda, esa onda, para saber la programación métanse al sitio de hollyweed. Películas, documentales, mediomentales, cortos y etcéteras que tratan el tema de las drogas desde distintos ángulos. Ojo que hay funciones donde dan varios cortos, o donde dan un corto seguido de una peli por el mismo precio, 2.500 pailones y 1.900 estudiantes.
Yo fui el primer día a la función de las 21, obviamente que para asistir a un evento de estas características es necesario juntarse un poco antes a realizar la previa con los amigos o con quien se asista, para esto existe un parque bien piola muy cerca del cine, hay que cruzar la alameda y también el bodrio de monumento de los pacos (un sarcástico 11 gigante), imperdible, claro que hay que seguir hasta el parque porque allí está el edificio de pacos, iglesia de pacos, y fumar en la vía pública no es, como podría decirse, LEGAL. Luego de soltar los humos correspondientes con los contertulios partimos volando al lugar de tan magno acontecimiento.
En el hall (sí, suena siútico) del Centro Arte Alameda encontramos una feria con distintos productos cannabicos, están los vaporizadores (para fumar sin humo, puro vapor), bongs, pipas, fertilizantes, revista cañamo y demases que fueron, literalmente, la antesala a la función de las 21 donde mostrarían el corto Gattoon 2DX y Quarta B. Los cuales criticaré a continuazione.
Con un público en las nubes empezó el corto, piola, un tipo va mirando unos grafitis hasta que encuentra uno que lo hipnotiza y de pronto el dibujo se lo traga a una dimensión extrañísima y psicodélica, allí se come las callampitas del mundo de Mario y al igual que Alicia en el país de las maravillas se come una Amanita Muscaria profundizando este trip visual muy loco.
Con una sobrecarga de música electrónica y de imágenes llenas de colores y movimiento utilizando distintas técnicas mixtas como el dibujo o los oleos y también fractales que para alguien en estado psicoactivo le producen sensaciones aumentadas y en verdad son bastante agradables. Un viaje agitadísimo pero que sin embargo deja con cierto gusto a poco ya que el viaje no conecta tanto como uno quisiera y uno solo atina a pensar: la volaíta! y dejarse llevar por las imágenes sin reflexionar más allá.
Después de una pausa que se extendió lo suficiente como para dar pie a la gula del público empezó el plato fuerte de la función: Quarta B, o en castellanísimo Cuarto B, una volada chistosa.
La película en términos simples trata sobre una reunión de apoderados citada de emergencia por el hallazgo en la sala de clases del 4°B una apetitosa bolsa de maconha (marihuana, cogollos, cannabis, o como le llame usted), por lo que el director con la profesora jefe citan a los padres para encontrar al dueño de la hierba. Este argumento tan simple da lugar a un sinnúmero de discusiones, debates, improperios, especulaciones, etc, hasta que se les ocurre probar la maconha para poder entender mejor la situación y hablar de esto con sus hijos.
Esta parte es lejos la mejor de la película, porque cuando se prende el caño (pito, cuete, cigarrillo de marihuana) yo me sentí como en uno de estos cines con olor que nunca prosperaron porque el olor se sintió de inmediato y también llegaron las carcajadas al ver a los padres de los hijos con muy diferentes personalidades fumando y pasando el pito al siguiente. Destaca el más viejo de todos los apoderados que se echa para atrás en la silla y aguanta el humo con elegancia, también estaban los fumadores avezados que tenían sus mañas para fumar y el conserje que le pasaron la cola llegándose a quemar los dedos.
La película sigue su curso como lo haría cualquier reunión donde todos están volados, empiezan a divagar y divagar y divagar y cada cual con su volada, algunos pegados, otros imaginando unas alucinaciones cuáticas, hay por ejemplo una escena de la paranoia de una de las fumadoras qe está muy bien lograda, ya que transmite el sentimiento de angustia al que está sentado en la butaca, en otras palabras, te recagai de susto. En esto influye un buen uso de la cámara sin trípode, con mucho movimiento y metida en el medio de la acción como un personaje más en la escena. Esta escena da para especulaciones, especialmente si estás volado, por mi parte pensé que quizás habían llegado los pacos de verdad a la filmación a cagar la fumadera que tenían armada los apoderados ya que la policía increpaba directamente al camarógrafo. Sin importar cuál fue la intención del director, el cambio de ritmo y la idea de incluir a la cámara como un personaje de un momento a otro me parecieron de una creatividad notable.
Después la película entra en un terreno pantanoso quebrando el orden cronológico y volviendo atrás para ver la perspectiva de otros personajes, esto es una buena idea pero está mal implementada. Digo esto porque solo da pie para la confusión y porque si ya llevamos 50 minutos viendo una historia en orden cronológico y llegan a desordenártela en la onda de Memento, uno colapsa. Podría haber estado mejor el uso del tiempo en la película, pero esto no le quita méritos demuestra que con una buena idea se puede hacer una película con pocos recursos: con un solo ambiente (la sala de clases), una cámara, unos 12 personajes bien construidos, cigarros de marihuana y un buen argumento son más que suficientes para tener un buen resultado.
Muchas risas que disminuyen hacia el final, y hay que destacar que el ejemplo que da la película con respecto a la marihuana y otros temas como la discriminación de género están bien encaminados. Es decir, que los padres no tengan temas intocables con sus hijos, que conversen con ellos sobre cada uno de las experiencias de la vida libre de prejuicios, incluida la marihuana y la sexualidad, y que para hacer esto quizás lo mejor sea fumarse un pito con los hijos para saber que tanto daño puede realmente hacerle o quizás decir que no, pero con argumentos.
A fin de cuentas, una excelente salida al cine, totalmente recomendada no para las mismas películas que ya no las dan más!, pero hay otras! no es de preocuparse, solo vean el programa, y si leen muy tarde esto... bueno podrán estar atentos a los dvds, o lo que sea.
"El Utimátum de Bourne" llega para concluir lo comenzado por "El Caso Bourne" y continuada por "El Mito de Bourne" y que puede considerarse como la mejor saga de acción de los últimos años y la más inteligente desde Matrix. Resumiendo la historia para aquellos que no están familiarizados con la trilogía, Jason Bourne es un superagente que pierde la memoria y despierta con un montón de gente queriéndolo asesinar y él, no sabe porque. A medida que descubre secretos empieza a recuperar la memoria y sus impresionantes habilidades lo ayudan a sortear todos los peligros y ponerse un paso por delante de la Agencia que lo busca para matarlo y que es la misma que lo creo. Por cierto, esta agencia tiene muchos otros agentes super como Bourne (aunque nunca taan pulentos) y el sistema es re simple, les llega un mensaje con una foto y estos agentes repartidos por el globo parten y asesinan sin preguntar motivos. Lindo, bonito y totalmente desquiciado, esta quizás sea la razón por la cual Bourne abandonó el lado oscuro de la fuerza y ahora quiere descubrir toda la verdad o vengarse de quienes sea necesario.
En esta entrega pasa más de lo mismo, la persecusión empieza desde el comienzo y no para el ritmo hasta que Bourne termina de armar el puzzle y recobrar la memoria descubriendo el "gran" secreto que supuestamente justifica este entuerto. El problema es que el descubrimiento no es TAN grande y quizás uno piensa que podrían haber hecho solo dos películas para contar esta historia. Sin embargo, es una digna conclusión que no decepcionará a los seguidores de la trilogía Bourne y que tiene muchos méritos por la dirección de Paul Greengrass.
En ese sentido, Greengrass realiza un gran trabajo al lograr sacar una saga de acción que destaca por sobre las megaproducciones vacías de contenido y de originalidad que envenenan nuestras carteleras. Es que además de tener un guión decente presenta un estilo visual propio que consiste en acción frenética con movimientos y cambios de cámara acelerados para mantener al espectador pegado al asiento.
Las peleas también se volvieron una característica de estas películas con grandiosas coreografías, destaca la pelea en las calles de Tánger con superagentes buenos para pegarse con el primer objeto que encuentren, ya sea un cepillo de dientes, un gato o lo que sea, además son durísimos, se cortan, caen, quiebran, explotan y siguen como si nada. Esto es algo que no cae muy bien, especialmente por nuestro personaje principal que tiene la resistencia del clásico duro de matar John McClane pero quitado de humor y al parecer emociones, Bourne atraviesa por difíciles momentos y sin embargo el personaje es frío e impenetrable. Sin embargo, Matt Damon demuestra con estas tres películas que tiene pasta para ser una buena opción en papeles de acción inteligentes como este, no es su culpa que el personaje sea un freezer asesino con remordimientos.
Resumiendo, la entretención está garantizada, pero si no han visto las otras entregas quizás se queden colgados en algunos detalles, aunque nada muy importante. Si no les gustan las películas de acción o llegar a ponerse nerviosos por el ritmo acelerado del film entonces hay un montón de opciones más quitadas de revoluciones.
Dirección: PAUL GREENGRASS Guión: TONY GILROY, TOM STOPPARD, SCOTT BURNS Y PAUL ATTANASIO; basado en la novela de ROBERT LUDLUM Interpretes: MATT DAMON, JULIA STILES, JOAN ALLEN, DAVID STRATHAIRN, PADDY CONSIDINE Producción: FRANK MARSHALL, PATRICK CROWLEY Y PAUL L. SANDBERG Montaje: CHRISTOPHER ROUSE Fotografía: OLIVER WOOD Música: JOHN POWELL Duración: 111 MINUTOS
Para ser sincero, esta película no me gustó nada nada, más basura hollywoodense bajo la cara amable de Disney.
Películas con un guión tan incoherente como esta son difíciles de encontrar y como tales pueden ser consideradas como ejemplos prácticos de lo que sucede cuando se abuse de una superproducción sin mayores ideas. El guión pareciera estar escrito por una manga de monos antojadizos y no tan inteligentes como el monito del capitán nosecuanto. En esta historia son todos los piratas unidos en contra de la gran armada, para eso necesitan rescatar a Jack Sparrow (Johny Deep) de un lugar de sufrimiento eterno y blablabla, después unirse con todos los piratas, liberar una diosa atrapada y pasar por tantas traiciones que llega a ser ridículo.
Las escenas de acción son bien elaborados como en las entregas anteriores pero no tienen el ritmo que tenían estas. Destacan algunos combates entre los barcos pero uno queda con la sensación de que se podría haber hecho mucho más. También se nota mucho el que es una película hecha para todo público, no hay sangre y los personajes malos ni siquiera son malos, de hecho ya no se sabe quienes son malos y en ese sentido se pierde el punto del conflicto.
No es tanto más lo que se puede decir, no se si será lo mejor o lo peor pero para darle un nuevo aire al personaje de Jack Sparrow se le desarrollo algo así como una múltiple personalidad en el lugar donde estaba castigado.muerto.etc dando paso a escenas muy freaks donde discute con estas múltiples expresiones de si mismo, llegando a matar algunas. Repito, el guionista tiene que fumar de lo bueno o no se qué estaba pensando pero la película está llena de escenas malas de culto, matrimonio de piratas en plena batalla incluido.
Sí, algo de entretención se obtiene, y Elizabeth (Keira Knightley) está guapísima pero son mayores las probabilidades de cerrar los ojos de vez en cuando sin ninguna pérdida significativa. Basura y no de la buena, como las versiones anteriores que pasaban más piola.
Hay ciertas cosas difíciles en la vida, como por ejemplo decir ya no te amo, o tener que levantarse con mucho frío y entre otras cosas, entender el cine de David Lynch. Un asunto aparte es realizar una crítica a una de sus películas, una tarea que a primera luces parece inasible pero que luego de horas y horas de análisis y de meterse en el extraño mundo de Lynch, puede resultar un trabajo gratificante. Es así como empiezo la crítica a la última película de este realizador llamada “Inland Empire”, un trabajo que se desliga de las grandes producciones y está realizado bajo una factura mucho más personal y de forma digital, lo que no resta calidad sino que gana en libertad creativa (en realidad algo que nunca ha faltado en la obra del director). Esto se nota en las largas dos horas y cuarentaycinco minutos que uno permanece atornillado al asiento en un viaje a través de mundos y laberintos mentales oscuros y complicados.
La trama se puede resumir, pecando de simpleza, en la historia de Nikki Grace (Laura Dern) que se embarca en la filmación de un remake dirigido por el personaje de Jeremy Irons de “El Cielo Azul del Mañana”, película originalmente basada en un mito gitano-polaco y que –cuenta la leyenda- se había intentado filmar antes con nefastas consecuencias para los protagonistas. Según el mito había una mujer casada que tuvo una aventura y producto de esto quedó embarazada, al hijo lo perdió y sufrió el rencor de su esposo y el intento de asesinato por parte de la esposa de su amante. Finalmente ella terminaba en la calle como prostituta.
Cosas extrañas empiezan a suceder de hecho, especialmente para nuestra protagonista. Estas se empiezan a revelar después de que se empieza a reproducir el mito y Nikki empieza a atraparse dentro de su personaje, es decir de la mujer polaca protagonista del mito y comienza una relación con su coprotagonista Devon (Justin Theroux) a espaldas de su esposo. Desde este punto en adelante Nikki empieza un viaje por distintos mundos sobrepuestos y a través de distintos tiempos laberínticos y no lineales.
Estos mundos son perfectamente identificables, pero no del todo comprensibles. Voy a intentar realizar una pequeña referencia a cada uno de ellos. En primer lugar tenemos el plano “real” que sería el de la actriz fuera de su rol, es decir de la vida de Nikki con su historia pasada y su presente.
En segundo lugar lo que pasa como parte de la filmación del remake en Hollywood y que se confunde intencionalmente con la realidad, haciendo difícil separar al personaje de la actriz.
Ya en tercer lugar lo que ocurre al parecer con la filmación de la primera película El Cielo Azul del Mañana y donde una joven polaca y otros personajes repiten la misma historia.
Un Cuarto mundo apreciable es el de una mujer que llora viendo la televisión donde se aparecen imágenes de la película Inland Empire, si bien no es explícito esta mujer puede ser la protagonista del relato original que ve las distintas interpretaciones de su trágica historia.
En quinto lugar, una habitación desoladora donde vive una familia de conejos en lo que parece un programa de televisión con risas pregrabadas y que conforma el más bizarro de los distintos mundos y a su vez el más difícil de relacionar con los otros. Como todo en esta película se presta a la infinita interpretación del espectador quien se convierte en otro mundo dentro de esta experiencia.
Además ocurren cosas que no caben dentro de estos mundo descritos y que perfectamente pueden ocurrir dentro de la mente del personaje de Nikki como manifestación de su subconsciente o lo que se quiera. Por ejemplo están las prostitutas que bailan y que actúan como coro extrapolándose a distintos mundos (la nieve de Polonia y las calles de Hollywood).
Como se puede ver, la gran cantidad de niveles por los que transita la película, además de moverse temporalmente con total libertad, hacen que la tarea de desglosar y juntar las piezas se convierte en una tarea que carece de sentido. De esta forma uno termina entregándose a las sensaciones, muy intensas, que provoca este tipo de cine. Sin embargo hay claves ocultas que nos abren puertas a estos distintos mundos. Una de ellas y al parecer clave por la cantidad de veces que se repite es el rayado que encuentra Nikki en distintas paredes A X X ° N y que al atravesarlas la llevan en estos viajes por distintos mundos. Esto después de quedarse pegado con la volada de Lynch también lo descubrimos en la frase inicial de la película: "Axxon N., el show radiofónico más largo de la historia... esta noche, en la región del Báltico...". Indagando más profundamente encontramos que Axxon N es una serie de nueve capítulos del autor que vería la luz el 2002 pero nunca lo hizo, en esta se contemplaba un diálogo de Laura Dern que finalmente se ve plasmado cuando ella cuenta su historia al psiquiatra, en otras palabras esta seria que no vio la luz terminó transformándose en parte del guión de Inland Empire. En esa línea encontramos otras autoreferencias a trabajos anteriores, como el tocadiscos que aparece esporádicamente y los conejos que nacen de una serie de cortos llamada Rabbits (que por cierto no he visto).
Gracias a la atmósfera que se crea, ya sea por el espeluznante sonido y música (donde personalmente destaco la escena donde aparece la canción Ghost of Love), por la gran actuación de Laura Dern o por la oscuridad de los planos y tomas (se esmera en , es que uno se enamora de la certeza de que algo no está bien, que los personajes cargados de misterio y oscuridad encierran secretos que son difíciles de alcanzar y donde una advertencia del esposo de Nikki a Devon de los oscuros designios que ocurrirán a futuro se convierten en una lapidaria sentencia que espera su ejecución “hay consecuencias para cada acción, y sin duda también hay consecuencias para las malas acciones y serán oscuras e inevitables. ¿por qué hay necesidad de sufrir?”
Finalmente esta Imperio Interior, que está poblado de mundos diversos y pasajes que divagan a través del personaje de Nikki en los distintos mundos, a los que se enfrenta cambiando de personalidad he intentando escapar de este enorme enredo en el que se ha envuelto. Pero ¿qué ocurrirá cuando logre escapar de este confuso universo de varios niveles?, esa es la incógnita que plantea ideas y sensaciones sobre la mutación de la identidad y del imperio interior de cada uno de nosotros. Otras ideas que quedan en la cabeza es la relación entre la realidad y la ficción, entre el mundo de la televisión y el mundo interior, y las aparentemente inexistentes barreras entre las mismas.
Como siempre David Lynch logra ser trasgresor con su película y sin afán de burlarse del espectador, sino que considerándolo como parte de la obra de arte, es decir artistas que necesitan poner su parte para que la obra esté completa, y esto no significa romperse la cabeza intentado buscar explicaciones lógicas o interpretaciones psicodélicas (que es válido), sino que pasa más bien por vivir la película y hacer lo que se antoje frente a lo que se nos presenta. Es decir, vean Inland Empire y saquen sus propias conclusiones.
FICHA TÉCNICA:
TITULO ORIGINAL: Inland Empire
AÑO: 2006
DURACIÓN: 176 min.
PAÍS: Estados Unidos
DIRECTOR: David Lynch
GUIÓN: David Lynch
MÚSICA: Angelo Badalamenti
FOTOGRAFÍA: Odd-Geir Sæther
REPARTO: Laura Dern, Jeremy Irons, Harry Dean Stanton, Justin Theroux, Julia Ormond, Scott Coffey, Laura Elena Harring
PRODUCTORA: Laura Dern, Coproducción USA-Francia-Polonia
Siguiendo la línea de películas basadas en el popular juego de Playstation Resident Evil, llega la nueva entrega de esta historia de zombies y ciencia ficción plagada de efectos especiales que sigue la historia de Alice (la siempre hermosa Milla Jovovich). Para no perderse en esta historia es necesario hacer un pequeña referencia de la trama de la seria. Alice es un proyecto de Umbrella Corporation, quienes la crearon con la intención de utilizarla con fines bélicos, así mismo esta corporación es la responsable del Virus T, el que transforma a la gente en los clásicos zombies y que Alice lleva en la sangre. Ahora muchos años después de la segunda historia nos encontramos con un escenario apocalíptico desértico donde los zombies han controlado toda la tierra y los únicos no infectados tienen que mantenerse en constante movimiento (sí, en la onda de Mad Max) para aplazar la inminente extinción.
La película comienza exactamente igual que la primera, pero al poco andar uno se da cuenta que algo es distinto, Alice esta vez no es capturada por fuerzas especiales, ella se adentra en los pasillos llenos de trampas mortales que sortea bien hasta que no, y kaput, muere Alice. Ahí nos damos cuenta de que Umbrella ha continuado con sus maquiavélicos experimentos de clonación de esta arma mortífera pero con el fin de revertir el Virus T, para esto necesitan la sangre de la Alice original, es decir, nuestra guapa protagonista que se ve espectacular con el look de guerrera del desierto.
Desde ese punto se desarrolla esta historia con la fluidez característica de la saga, con buenas y jugosas escenas de acción, y con una Alice que ahora aparte de patear culos de no muertos ha desarrollado poderes síquicos. En cierta parte se une a un convoy de sobrevivientes en una escena que es un claro homenaje a la película "Pájaros" de Alfred Hitchcock, con la diferencia de que son pájaros zombies y hay hartas balas involucradas.
Si bien el ritmo de a película es bueno, no alcanza el nivel de las cintas anteriores. Sin embargo, para ser una película de acción gringa es mejor que sus pares de género, por no es un simple despliegue de efectos especiales y adrenalina, aquí se quiere contar una historia basada en un video juego. Es este el motivo principal de que la trama no guatee, ya que se ve condicionada a ser mas o menos fiel al juego y por lo tanto se sustenta de la tensión y buena trama que caracteriza a Resident Evil.
Tendremos que esperar la cuarta entrega y no sé si final para ver a conclusión de esta suculenta epopeya, ya que extinción es un título que le queda muy grande a esta película que si bien continúa la línea de forma digna no es para nada lo mejor que hemos visto de Alice y sus queridos zombis.
Ficha Técnica
TITULO ORIGINAL: Resident Evil: Extinction PAIS: Estados Unidos DIRECCION: Russell Mulcahy GUION: Paul W.S. Anderson ACTORES: Milla Jovovich, Oded Fehr, Ali Larter, Iain Glen, Mike Epps, Spencer Locke, Ashanti, Gary Hudson GENERO: Thriller / Ciencia ficción / Terror ESTRENO: 21 de septiembre de 2007 (Estados Unidos)
Basada en el Best Seller "Cien Cepilladas antes de Dormir", un libro que causó polémica por ser el diario de vida de Melissa Panarello, quien se encuentra experimentando los cambios hormonales de una adolescente de 16 años con un padre ausente y una madre cerrada en su mundo y ciega a la angustia de su hija que inicia un frénetico y tormentoso despertar sexual. Al encontrarse con humillaciones en vez de amor, ella profundiza aún más su experimentación, entrando en un espiral de autodestrucción y de transformación. Este intenso viaje personal es relatado con la sinceridad y la falta de pudor que solo a algo tan íntimo como un diario se puede entregar, por lo que el lector se transforma en el confidente de esta tórrida historia. En este contexto se enmarca la coproducción italo-española que adapta de manera espléndida la historia real de Melissa.
Sin caer en la pornografía, la propuesta del director y guionista Luca Guadagnino va mucho más allá que mostrar el despertar sexual adolescente, apunta a que uno como espectador puede compenetrarse con la protagonista y ser cómplices en esta difícil metamorfosis de la adolescente a la mujer, el mismo explica en una entrevista a hoycinema.com, "Nuestra película es sobre todo un relato moderno sobre la maduración personal". En ese sentido la identificación con el personaje es fundamental y por cierto esto se logra en el film, lo que merece ser aplaudido por lo lejana que puede parecer a primera vista la experiencia de Melissa. La adaptación del papel a la pantalla está muy bien lograda, especialmente en escenas particularmente difíciles en términos del alto contenido sexual. En estos casos la opción de sugerir sin dejar de lado la sensualidad parece la elección adecuada, sin embargo esto también hace que se pierda un poco la potencia del relato original, por lo que al igual que en todos los casos de adaptaciones el libro sea superior a la entrega fílmica (exceptuando quizás a "El Ladrón de Orquídeas").
La actuación de la joven María Valverde que interprete a Melissa merece aplausos al lograr una complicidad en su rol admirable al interpretar los diversos estados de animo que atraviesa la protagonista, donde la integridad y la fortaleza de Melissa en este andar llegan a ser sólidos y a través de sus experiencias pasa de ser humillada a estar en completo control de su cuerpo y su sexualidad. Otra actuación que resalta es la de Geraldine Chaplin, la abuela que es el pilar más importante en su vida, ya que su madre no quiere ver el dolor en los ojos de su hija y su mejor amiga no comprende el camino que de experimentación que ha tomado Melissa.
La película es recomendable para todo público, para las jóvenes que se pueden sentir muy identificadas y también para que los padres se den cuenta que sus hijos no serán castos y puros hasta el matrimonio y que la sexualidad es un tema importante de ser conversado y especialmente el poner mayor atención a los cambios que sufren sus hijos.
Una historia conmovedora que escapa de las clásicas películas de adolescentes descarriados, yo creo que es por la conexión que tiene con la realidad y que la hace más tangible a pesar de escapar de los lugares comunes.
Dirección: Luca Guadagnino. Países: Italia y España. Año: 2005. Duración: 08 min. Género: Drama. Interpretación: María Valverde (Melissa), Fabrizia Sacchi (Daria), Primo Reggiani (Daniele), Nilo Mur (Marco), Elio Germano (Arnaldo), Letizia Ciampa (Manuela), Davide Pasti (Leo), Alba Rohrwacher (Clelia), Piergiorgio Bellocchio (Profesor de natación), Geraldine Chaplin (Elvira). Guión: Barbara Alberti, Cristiana Farina y Luca Guadagnino; basado en un argumento de Luca Guadagnino y Cristiana Farina; inspirado libremente en la novela "Los cien golpes" de Melissa Panarello. Producción: Francesca Neri, Claudio Amendola y José Ibáñez. Música: Lucio Godoy. Fotografía: Mario Amura. Montaje: Walter Fasano. Diseño de producción: Gianni Silvestri. Vestuario: Antonella Cannarozzi. Estreno en Italia: 18 Noviembre 2005.
Hoy le toca el turno a la nueva película más vista en su primer día del cine chileno la continuación de la recordada Chacotero Sentimental, pero ahora llamada Radio Corazón, (supongo que por un asunto comercial). La gran novedad es el cambio en la dirección que pasa a manos del Rumpy, quien se interpreta a sí mismo, el conductor del programa radial que todos los días desde las 14 a las 16 recoge las historias más sórdidas de los chilenos. La película al igual que la anterior está dividida en tres historias seleccionadas entre los llamados reales realizados a la radio, donde el hilo conductor lo da este contexto del programa del Rumpy y que las historias tienen que ver con las relaciones en distintos niveles. Uno de los aciertos de la película es acercarse al espectador mostrando varias aristas del ser chileno, con personajes característicos y que arrancan risas con los diálogos. Por ejemplo se muestra la reacción de un grupo de gente escuchando las historias mientras esperan la micro del transantiago, sin embargo este recurso no está tan bien utilizado como podría quererse, relegando al radioescucha a un papel terciario. Otra pepa se la anota el Rumpy por su polera que reza: Mar para Bolivia, un reclamo importante para las relaciones de nuestros países y que tiene una gran tribuna en este espacio. Por otra parte, el elenco está muy bien escogido y los actores hacen un gran trabajo en buenas locaciones, a esto se suma un buen trabajo de dirección del debutante Rumpy quien le da el ritmo a la película que lamentablemente parte como avión pero después decae, perdiendo la chispa que tenía la primera entrega.El comienzo es prometedor, la primera historia "La iniciación", es una historia que engancha de inmediato. Manolo (Daniel Muñoz) es un tipo tranquilo, buen esposo y padrastro de Nice (Manuela Martelli), una colegiala a punto de cumplir los 18 y que por una promesa que hizo con su grupo de amiguis "Comando Copi", quiere perder la virginidad antes de terminar el año escolar. El problema viene cuando a Manolo le hacen el mítico dragón (que se hizo popular en una llamada al programa donde una mujer contó que se metía con el papá de su pololo, quien amablemente le enseñó la técnica para el sexo oral que consiste en expulsar el contenido de la eyaculación por la nariz) y Nice se da cuenta de la infidelidad y se le mete en la cabeza que Manolo sea su primero. Esta historia está llena de buenos momentos y pasa ligera entre bien ganas risas, especialmente por la dupla entre Daniel Muñoz y Daniel Alcaíno.La segunda historia "La Nuera" es mucho más lenta y se aproxima de manera certera y natural al tema del lesbianismo. Sandra (Claudia Di Girolamo) recibe a su hijo Federico (Néstor Cantillana) y a su futura esposa Manuela (Juana Viale) a quien conoce y ayuda en los preparativos para el matrimonio. Todo se pudre cuando se empieza a enamorar de su nuera. Un punto alto de la historia es el papel que juega el compañero de pega de Cantillana, quien intenta convencerlo por todos los medios posibles que de que no case, despotricando a cada momento contra el género femenino en escenas hilarantes, lo que contrasta con lo que ocurre entre Sandra y Manuela.
Finalmente, "Cuento de Hadas", es la historia de una familia de una familia de clase alta que sufre con la enfermedad terminal de María Pilar (Amparo Noguera brillante). Cristian (Felipe Braun), su esposo evade la situación de dolor dejándola sola y engañandola. Todo el peso cae en Valeria (Tamara Acosta) que cuida a la señora y a los niños. Desesperada por su soledad María Pilar toma una drástica decisión que involucra a Valeria y su marido. Esta parte de la película, si bien está bien construida, constituye la parte más baja de toda la película. En vez de terminar con la fórmula del clímax cerca del final, esta historia termina por aburrir y matar las sensaciones que dejan las historias anteriores. A gusto personal, la elección de esta historia no fue la correcta para finalizar el círculo, especialmente considerando la cantidad de relatos sabrosos que se escuchan diariamente en el espacio radial.
Si bien la película no presenta nada nuevo y tiene un ritmo que decae desde la primera a la tercera historia, sí es entretenida y representa bien la idiosincrasia de Chile, es una película dirigida al país como reza su slogan y que sirve para pasar el rato pero no alcanza el nivel del "Chacotero Sentimental" que tenía más matices y lugares desde donde aproximarse a las historias.
Elenco: Daniel Muñoz (Manolo), Manuela Martelli (Nice), Daniel Alcaíno (Darwin), Claudia Di Girolamo (Sandra), Néstor Cantillana (Federico), Juanita Viale (Manuela), Amparo Noguera (María Pilar), Tamara Acosta (Valeria) y Felipe Braun (Cristian) Duración:115 minutos Calificación: Mayores de 14 años
Dirigida por John Cameron Mitchell, Shortbus es una mirada íntima y centrada en la sexualidad de un grupo de neoyorkinos con distintos problemas que se encuentran en un lugar donde se conjugan la libertad sexual, la búsqueda de uno mismo, la música y las relaciones humanas.
Al comienzo de la película se presentan a los personajes desde un ángulo especial, en la intimidad absoluta, así mientras se muestra a una pareja teniendo sexo en variadas y novedosas posiciones sexuales (que por cierto dan muchas buenas ideas) y que terminan en un orgasmo fingido, también hacen lo suyo una dominatrix y su esclavo; mientras que un hombre que se graba se autorealiza un felatio (hacerse un mamón) en una escena difícil de olvidar, y que borra el mito de que hay que sacarse una costilla al estilo Marilyn Manson.
Este comienzo fuerte y llamativo es la base desde donde se profundiza en los vacíos emocionales que embargan a los personajes. Por una parte Sofía (Sook-Yin Lee) es una terapeuta sexual que nunca ha tenido un orgasmo y siente la imperiosa necesidad de lograrlo por distintos medios así conoce a la dominadora Severin cuando va a Shortbus, un lugar donde la sexualidad se vive de forma totalmente libre y sin complejos. A este lugar llega gracias al consejo de una pareja de gays James y Jamie, el primero está sumido en una profunda depresión y dedica su tiempo a grabar un video donde da cuenta de la situación agobiante en la que se encuentra a pesar de contar con el amor incondicional de Jamie. Todas las historias se conjugan de forma magistral a través de una Nueva York colorida que se envuelve y desenvuelve en las noches de colores y lujuria del lugar donde todos los personajes se encuentran. Es una mirada abierta, moderna y desenfadada que articula un discurso común y cercano al espectador (jóvenes sobre todo porque los viejos llenos de prejuicios seguramente se queman al ver esta cinta), sobre las relaciones amorosas, el afecto y la desilusión. En la oscuridad de una ciudad quitada de luces todo encuentra su lugar y se funde en el maravilloso sonido del orgasmo.
Dirección y guión: John Cameron Mitchell. País: USA. Año: 2006. Duración: 102 min. Género: Drama. Interpretación: Sook-Yin Lee (Sofia), Paul Dawson (James), Lindsay Beamish (Severin), PJ DeBoy (Jamie), Raphael Barker (Rob), Jay Brannan (Ceth), Peter Stickles (Caleb), Alan Mandell, Adam Hardman, Ray Rivas, Bitch, Shanti Carson, Justin Hagan, Jan Hilmer. Producción: Howard Gertler, Tim Perell y John Cameron Mitchell. Música: Yo La Tengo y Scott Matthew. Fotografía: Frank G. DeMarco. Montaje: Brian A. Hates. Diseño de producción: Jody Asnes. Vestuario: Bart Mueller y Hurt Swanson. Estreno en USA: 4 Octubre 2006.
